Interview in the FIDMarseille newspaper

ENGLISH/FRANÇAIS

Why deciding to film during an open air music festival in Ramallah?

A music festival could seem an arbitrary event to set a film and to give a vision of the daily life in a place like Palestine. It is an exceptional context that happens once a year, but I felt it could reflect some situations that the characters face in their everyday life. I was also very interested in working with the concept of show, of “showing”. What is given to see in any musical or dance show and what is hidden to the public could be an interesting subject for filmmaking. At the same time, I wanted to talk about media, which are so much connected to the life of the Palestinian people, and their way of communicating a reality. I chose a location where journalists were involved because I was trying to confront different ways of evaluating what is important. My point of view as a film director is not very informative, and I give importance and attention to things that journalists don’t find relevant but I think they are also part of the reality. So one year before the shooting I went to many music festivals, in different Palestinian cities, taking notes, finding stories and casting potential actors among the people who worked there: musicians, journalists, volunteers…

Two meters of this land are words from the Palestinian poet Mahmoud Darwish and one sequence takes place in front of his grave, located near the festival. In which respects were his poems an inspiration for your film?

Darwish and his art were a great inspiration, although the location near his grave was decided a few weeks before his death. Of course, the presence of his buried body there gave a new spiritual meaning to that place and I wrote the script with his poems in mind. He is known as the Palestinian national poet and his poetry is, in one way or another, a constant presence in the Palestinian culture. There is no direct relation between his writing and the content of my film. But I think Darwish’s spirit is present, for example, in the love for the little things, like the first coffee in the morning and the sense of the space as a persistent matter in life. Which is also suggested in the title of the film.

The film starts with photographic archives showing young Palestinian girls training. A Palestinian man and a French woman, are commenting on these images. What were you looking for through this dialog between two points of view? And why making a prolog out of it?

The photos were taken in Jordan and Lebanon when Palestinian military resistance began, at the end of the sixties, beginning of the seventies. As the characters say, these are the first pictures of individual Palestinians after many years of historical invisibility. These pictures are related to the construction of a reality that the state of Israel wanted to hide since its birth in 1948. Palestinian people are showing themselves to the world, saying “We do exist!”. Of course, kids and girls did not go to combat, but they were part of a “mise en scène” to show the Palestinian Revolution to the world, a fight where people of all ages were virtually involved. Using these photos I wanted to put he emphasis on the people’s visibility. I don’t consider this scene as a prologue, although it’s very different from the rest of the film. I think of it as a step in the film’s progression which also has to do with attention to detail. They are two persons trying to find a common space and connect. This is a permanent figure in the film.

The camera is dwelling on the volunteers, their discussions, their attitudes as they are preparing the show or just waiting. Why was it important to film them? How did you choose and directed these non-professional actors?

Everything is connected. We can get a better idea of a place or a situation by isolating its fragments. The volunteers are not the main characters of the music festival, but they can also give the experience of the event. We only need to know how to look at them and they will communicate illuminating aspects of an unknown reality. Most of the people that are in the movie are acting for the first time and they play theirselves in the sense that they do in the movie the same or something very close to the role they do in the daily life. I had a script, but I never gave them the dialogues as were written by me and we did not rehearse. I explained the situation at location and everyone talked in his own words.

A woman is introducing the concert as “an event where art and culture are not separated from politics”. Like your film?

I think so. As it happens with most of the dialogues of the film, I did not write those lines (she wrote the speech herself and I decided to include it in the film without changing a word) but I think it is proper and it can also define the condition of the film. It is a political action to shoot a film in a country where a space is being daily denied to the inhabitants, and it is even more political to shoot it with local actors and local crew, whose historical visibility is being daily denied. For me, it’s a way of being political even if the content is not explicitly related to political issues of the moment.

Two characters are discussing the difference between a journalist and a poet. The first one takes big things to make them small, whereas the second one uses little things to create something big. What about a film director?

There are many ways to be a film director. My vision as a film director is closer to the poet’s. I try to focus on actions that may not be visible for everybody and to give them form and significance not through words but through pictures and sounds. A experience that should be more sensual than intellectual. I also believe in the creative collaboration of the public. As poetry or painting, cinema is an art of suggestion, and people should be invited to take part in the construction of the work filling the blanks. Unfortunately, TV and most of the films today don’t give the chance to imagine to the public because they try to show everything. As Robert Bresson said, the most difficult in cinema is not to show.

Director Ahmad Natche interviewed by Céline Guénot

Pourquoi décider de tourner pendant un festival de musique en plein air à Ramallah ?

Cela peut paraître un peu arbitraire pour tourner un film et donner à voir la vie quotidienne dans un endroit comme la Palestine. un festival n’arrive qu’une fois par an, donc un contexte exceptionnel. Mais je sentais qu’il pourrait refléter certaines situations auxquelles les personnages sont confrontés dans leur vie de tous les jours. J’étais aussi très intéressé par l’idée de travailler sur le concept de spectacle, le fait de “montrer”. Ce qu’on donne à voir dans n’importe quel concert ou comédie musicale dévoile ce qui est caché au public et peut être un objet de cinéma très intéressant. En même temps, je voulais parler des media et de leur façon de transmettre la réalité – quelque chose qui est très lié à la vie des Palestiniens. J’ai choisi un lieu dans lequel les journalistes étaient présents car j’essayais de confronter les différentes manières d’évaluer ce qui est important. Mon point de vue en tant que réalisateur n’est pas très informatif, je prête attention à des choses auxquelles les journalistes ne trouvent pas de valeur, mais je pense qu’elles font aussi partie de la réalité. un an avant le tournage, je suis allé à de nombreux festivals de musique, dans différentes villes de Palestine. J’ai pris des notes, cherché des histoires, et commencé à faire un casting d’acteurs potentiels choisis parmi ceux qui travaillaient là : musiciens, journalistes, bénévoles.

Two Meters of This Land (“Deux mètres de cette terre”) : le titre de votre film reprend les mots du poète Mahmoud Darwish, dont la tombe se trouve non loin de la scène du festival et près de laquelle se déroule une des séquences. Dans quelle mesure ses poèmes ont-ils été une inspiration pour ce film ?

Darwish et son art ont étés une grande source d’inspiration. Le lieu de tournage a en fait été décidé quelques semaines avant sa mort, mais bien sûr, la présence de son corps, enterré là, a donné une nouvelle signification spirituelle à ce lieu. Et j’ai écrit avec ses poèmes en tête. Il est connu comme le poète national de la Palestine, et son oeuvre, d’une manière ou d’une autre, est une présence constante dans la culture palestinienne. S’il n’y a pas de relation directe entre ces écrits et le contenu de mon film, je pensé que l’esprit de Darwish est présent, par exemple dans l’amour des petites choses, comme le premier café bu le matin et le sens de l’espace comme un sujet persistant de l’existence.

Une femme présente le concert comme “un évènement dans lequel l’art et la culture ne sont pas séparés de la politique”. Comme votre film ?

Je le crois. Comme pour la plupart des dialogues du film, je n’ai pas écrit ces lignes. Elle a écrit le discours elle même et j’ai décidé de l’inclure dans le film, sans en changer un mot. Cela me paraît très bien définir la condition du film. Tourner dans un pays où l’espace est quotidiennement refusé à ses habitants, c’est un acte politique, d’autant plus qu’on a tourné avec une équipe et des acteurs locaux, dont la visibilité historique est niée chaque jour. Pour moi, c’est un moyen d’action politique, même si le contenu lui-même n’est pas explicitement lié aux enjeux politiques du moment.

Le film s’ouvre avec des images d’archives montrant de jeunes Palestiniennes dans un camp d’entrainement. Un Palestinien et une Française commentent ces images. Que recherchez-vous dans ce dialogue entre deux points de vue ? Et pourquoi en faire un prologue ?

Ces photos ont été prises en Jordanie et au Liban, à l’époque où la résistance militaire a commencé, fin des années 60 début des années 70. Ce sont les premières images de Palestiniens après des années d’invisibilité historique. Ces photos sont liées à la construction d’une réalité que l’Etat d’Israël a voulu cacher depuis sa naissance en 1948. Le peuple palestinien se révèle au monde, criant “on existe”! Bien sûr, les enfants et les filles n’allaient pas au combat, mais ils étaient parfois mis en scène pour montrer au monde la révolution palestinienne, dans laquelle des gens de tous âges étaient potentiellement enrôlés. J’ai voulu souligner leur visibilité. Je ne considère pas cette séquence comme un prologue, même si elle est très différente du reste du film. Je la vois plutôt comme une étape dans la progression du film, qui a aussi beaucoup à voir avec l’attention aux détails. Ce sont deux personnes qui essaient de trouver un espace commun et d’interagir. C’est une des figures récurrentes du film.

La caméra s’attarde sur les bénévoles, leurs discussions, leurs attitudes, pendant qu’ils préparent le spectacle ou attendent simplement. Pourquoi étaitil important de les filmer ? Comment avez-vous choisi et dirigé ces acteurs non-professionnels ?

Tout est connecté. On peut avoir une meilleure idée d’un endroit ou d’une situation si on isole les composantes. Les bénévoles ne sont pas les principaux acteurs du festival, mais ils peuvent aussi transmettre l’expérience de cet évènement. Nous avons juste besoin de les regarder et ils communiquent, éclairant ainsi des aspects d’une réalité inconnue. La plupart des gens qui apparaissent dans le film jouent pour la première fois. Ils sont eux-mêmes dans le sens où ils font dans le film quasiment la même chose que ce qu’ils font dans leur vie quotidienne. J’avais un scénario, mais je ne leur ai jamais donné les dialogues, et nous n’avons pas répété. J’ai expliqué la situation sur place et chacun a parlé à sa façon.

Deux personnages discutent de la différence entre le journaliste et le poète. Le premier prend quelque chose de grand pour en faire du petit, tandis que le seconde part du petit pour faire du grand. Et le réalisateur?

Il y a de nombreuses façons d’être réalisateur. Ma vision est proche de celle du poète. J’essaie de me concentrer sur les actions qui ne sont peut-être pas visibles pour tout le monde, et de leur donner forme et sens, non pas avec des mots mais à travers des images et des sons. Une expérience qui devrait être plus sensuelle qu’intellectuelle. Je crois aussi à la participation créative des spectateurs. Comme la poésie ou la peinture, le cinéma est un art de la suggestion, et ceux qui regardent devraient prendre part à la construction de l’oeuvre, remplissant en quelque sorte les blancs. Malheureusement, la télévision et la plupart des films ne donnent plus au public la possibilité d’imaginer, parce qu’ils essaient de tout montrer. Comme Robert Bresson l’a dit, “le plus dur au cinéma, c’est de ne pas montrer”.

Entretien avec Ahmad Natche. Propos recueillis et traduits par Céline Guénot

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